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Buenos Aires

UNA CONVERSACIÓN CON OSÍAS YANOV

Curated by Direlia Lazo

Direlia Lazo: Empecemos hablando sobre el significado que tiene en tu obra el concepto de hibridez

Osías Yanov: Siempre estuve interesado en las posibilidades que brinda el cuerpo humano, el ser vivo que muta constantemente, nuestro potencial activo y experimental. A medida que un individuo se vuelve más social, también se vuelve más codificado. En la piel vamos inscribiendo el protocolo. En cambio, en instancias como el baile desenfrenado, los ritos de experimentación o ciertas celebraciones; el cuerpo rompe por un tiempo ese pacto. Mi exhibición del 2015, VI Sesión en el Parlamento, resultó de la sumatoria de estas y otras nociones. Me interesaba revisar qué pasaba específicamente con el baile de la cultura gay en los clubs porteños y desentrañar qué estábamos bailando y qué era lo que codificábamos con el cuerpo. Hasta qué punto esas coreografías nocturnas podían ser antídoto o veneno al estereotipo, a la hegemonía de la piel. Al bailar hay registros muy amplios que estamos integrando. Saberes y culturas que se manifiestan a través del movimiento. Abordar una etimología de las poses del baile me hizo pensar en que esa instancia de hibridez no es solo pluricultural, sino también entre especies. Abriendo paso a la separación social e influencias entre seres que habitan la tierra podemos comenzar a cuestionar nuevas particularidades y no solo de género, más allá de la considerada especie humana, mas allá del tiempo.

DL: ¿Cómo buscas manifestar ese diálogo inter-especie en Coreografías de Sal?

OY: ¿Qué pasaría si se descubre que la especie humana conserva en su ADN información orgánica de una criatura mitológica? ¿Para qué nos serviría montarnos en tal ficción? ¿Cómo rememoraría nuestro cuerpo ese registro? Esa es mi dirección en este momento: poder ejercitar una lectura grupal sobre algo mutante, cambiante y vivo. Realizarlo en su modo pedagógico, escénico y también terapéutico. Esa es la posibilidad del cuerpo más allá de lo humano. Lo que hacemos en estas coreografías para conducir nuestras preguntas es aprender a leer formas que en este caso son las de la sal. La sal entendida como partícula y como mar. Una de las razones por las que tomo como referencia narrativa a la figura de la sirena en su estructura ósea —inserta en un contexto de yacimiento y descubrimiento— gira alrededor de cómo esos huesos crean un pasado distópico y reconfiguran nuestros parámetros de realidad y de construcción de historia que se proyectan hacia el futuro.

DL: ¿Dónde nace tu interés por esta criatura exótica y cómo ha sido el proceso de explorar sus posibilidades corporales?

OY: La sirena, así como otras criaturas híbridas entre humanos y animales, tienen algo especial, un potencial más allá del mito. La podría localizar emergiendo a través de otras etapas de mis trabajos y exploraciones personales con el cuerpo: travestirse, switchear de género, volverse máquina o prótesis de otras personas u objetos, ensayar rituales de nuestras u otras latitudes. En esos estados tu cuerpo se transforma, tu sociabilidad se transforma. Me he sentido transformado por completo, he visto a otros transformarse. Pero un día se me agotó como posibilidad, lo dejé de hacer. Aunque siempre queda la pregunta. ¿Cómo podemos vivir, experimentar ser otro, con qué sentido hacerlo? Día a día, uno ya es muchos otros. Es lindo atravesarlo, ser animal, ser de otro género, ser no binario, ser información, ser una sirena, crear ficciones ambiciosas o sutiles para poder incorporar otros saberes. Es una experiencia de iniciación personal que repercute a nivel grupal, como pasa en muchas culturas. La sirena entonces ya estaba ahí emergiendo, sólo que tenía otras formas de manifestarse.
Una particularidad que descubrimos durante el proceso de realización de la sirena es que estábamos construyendo las partes nereida (aletas, cola, extensiones) a partir de los huesos de un cuerpo humano. Es entonces el mismo cuerpo humano que se transforma en sirena. En los ensayos sucede eso mismo en tiempo real, nos vemos implicados en el proceso de transformación.

DL: Me pareció muy sugerente cuando empleaste el término de deformer en lugar de performer cuando hacías referencia a la actitud e identidad del performer en tu obra.

OY: Esta palabra me llegó hace poco a través de Florencia Carrizo, aludiendo a que no hay encuentros posibles sin deformación. Y me gustaba pensar desde allí la construcción de la identidad y proceso del performer en medio de este auge de lo performático. ¿Qué nos está pasando a nivel global que necesitamos tanto lo vivo en escena? El cuerpo aparece en las manifestaciones de la calle, cuando el mundo está en plena tensión política, cuando se avecinan disputas entre fuertes intereses económicos que dejan a un montón de personas excluidas, el cuerpo se impone, manifiesta, migra. Pero el cuerpo en el performance aún está inscripto en lo escénico, encarcelado en la representación. Un deformer no dejaría de experimentar en ese campo, en el laboratorio de lo escénico y académico que es sostenido gracias a las instituciones pero también estaría mirando cómo sale de la pantalla, como va un paso más allá de esa instancia representacional-institucional. ¿En qué pueden colaborar lo perfomático y el cuerpo activo como un campo de resistencia? Las células se activan y modifican; el estado del ánimo refleja la molecularidad.

DL: Una de las cuestiones más interesantes del proyecto es que estás desdibujando el formato tradicional de exhibición. Es una puesta en escena que no tiene principio ni fin, sino que se desarrolla en un loop continuo de exploración y creación. ¿Por qué decides que la exhibición sea también un híbrido entre diferentes instancias?

OY: Es parte de la exploración entre el pasaje de lo pedagógico, lo terapéutico y lo escénico. A través del aprendizaje, hay una transformación en todo un grupo, en este caso, quienes participamos y si “funciona” de quien nos mire. En cada una de esas instancias, sucede todo al mismo tiempo. En Coreografías de Sal, es el espectador el que va a transitar estos caminos y se vuelva según su predisposición en un activador del espacio. A su vez los intérpretes no sólo están haciendo una performance, están haciendo la escenografía, la cartografía, el mapa del lugar, y también lo están borrando y cambiando. Los talleristas estarían iniciando estos procesos por primera vez y experimentarán esta instancia realmente viva del descubrimiento de una técnica. De alguna manera el proyecto se articula, arma y desarma en sus diferentes instancias, en constante transmutación.

DL: ¿Qué importancia tiene explorar estos conceptos en el contexto actual de Buenos Aires?

OY: El proyecto es en sí mismo un lugar para ensayar las posibilidades de estar juntos aún con nuestras diferencias. Estoy cansando de lo que pasa en mi contexto y las diferencias que se dan en las dinámicas políticas y económicas que nos afectan. Es un momento donde hay que persistir en sensibilizarnos, y confiar en la posibilidad de que el cuerpo presente en vivo, por fuera de las redes digitales, apele a eso. No es solo resistir, también es importante sensibilizarse y, algo muy necesario hoy en día, sensibilizar al opresor

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